- Utilisez les couleurs lorsqu'elles sortent du tube.Toute couleur mélangée à une autre réduit sa saturation. Partant de ce principe, afin de donner aux artistes la possibilité de reproduire un grand nombre de nuances, les producteurs de couleurs vendent ces dernières à un haut degré de saturation. Il est donc très peu probable qu'une couleur naturelle soit parfaitement imitable en utilisant un seul tube. Pensez donc bien aux couleurs à reproduire et évitez la tentation d'utiliser un seul tube pour imiter les couleurs.
- Mélangez trop de couleurs.Quand on commence à peindre, la difficulté d'imiter les couleurs conduit à adopter une approche "Tentatives" qui est très lente et ne donne guère de bons résultats. Apprenez à mélanger les couleurs en suivant une logique précise qui vous amène à mélanger les couleurs avec le moins de tubes de couleurs. Les lecteurs de la Newsletter connaissent déjà ma méthode, bientôt je l'illustrerai également sur ce blog.
- Utilisez des spiritueux inodores pour diluer les couleurs.Les spiritueux que vous achetez en matériel ne l'utilisent que pour nettoyer les brosses. Pour diluer les couleurs, utilisez de l'huile de lin et de la térébenthine achetées dans les magasins de beaux-arts.
- Peignez une image à partir de photos sans considérer la composition.La façon la plus simple de peindre un sujet, que ce soit un paysage, un portrait ou une nature morte, est de prendre une photo. La photo, aussi belle soit-elle, peut ne pas convenir d'un point de vue artistique pour d'innombrables raisons: il n'y a pas de centre d'intérêt, il y a des éléments de symétrie, il y a plusieurs zones qui se font concurrence, etc. Je recommande de lire les articles de Composition publiés sur le blog et de réfléchir ensuite à la possibilité de combiner deux ou plusieurs photographies ensemble pour obtenir des sujets plus intéressants.
- Mauvaise utilisation de la perspective linéaire.Il est principalement observé dans les paysages avec des maisons et des bâtiments. Mais la perspective est également présente dans les natures mortes ou les portraits. Le seul remède est d'étudier ses principes. Dans la catégorie Perspective de ce blog, vous trouverez de nombreux articles à ce sujet.
- Ne pas utiliser la perspective aérienne.En peignant le paysage, un élément fondamental est la profondeur obtenue en appliquant les principes de la perspective aérienne . Le remède est de peindre en se rappelant que les objets éloignés sont plus légers et moins saturés que les plus proches à cause de l'atmosphère qui s'interpose entre les objets et l'œil de l'observateur. Pour simuler cet effet, il vaut mieux créer la couleur de l'atmosphère qui consiste, dans le paysage, de la couleur du ciel à l'horizon. À mesure que des objets plus éloignés sont peints, de plus en plus de couleurs de l'atmosphère sont ajoutées aux différentes teintes. Donc supposé avoir deux objets verts A et B avec A au premier plan et B en arrière-plan. Il est coloré A avec le vert et B avec la couleur verte + atmosphère. J'ai illustré ce principe dans l'articlePerspective aérienne, exemple d'application .
- Mauvaise utilisation des tons.L'artiste Frank Reilly a affirmé que le ton représente 80% de toute peinture. Je me souviens que le ton exprime le degré de luminosité de n'importe quel objet, c'est-à-dire le clair-obscur. Malheureusement, beaucoup considèrent la couleur plus importante que le ton et il n'est pas rare de voir des œuvres avec un contraste médiocre entre les ombres et les lumières, mal dessinées ou non présentes des ombres portées. Il est donc important de toujours garder à l'esprit les principes énoncés dans l'article Chiaroscuro. La différence de ton (ou contraste de ton) entre la lumière et l'ombre dépend de la position de la source lumineuse, de sa puissance et de sa distance de l'objet. En éclairage 3/4, la différence entre la lumière et l'ombre est généralement de 3 ou 4 tons. De plus, lorsque le ton de la lumière et celui de l'ombre sont flous ensemble, un ton appelé "demi-ton" est créé qui est à mi-chemin entre les deux tons. Précisément parce qu'ils connaissaient bien l'importance des tons, les anciens maîtres ont consacré plusieurs phases à la réalisation d'études tonales.
- Approche d'essai / erreur dans le mélange de couleurs.Le mélange des couleurs est probablement la tâche la plus exigeante et la plus difficile de tout le processus de peinture. Le but est simple: pouvoir obtenir une teinte à partir d'une série de tubes choisis dans sa palette. Pendant le cours de peinture à l'huile, j'ai donné quelques indications sur la façon de choisir les tubes de couleur pour votre palette, mais je n'ai pas réellement indiqué le processus de création du mélange de couleurs afin d'obtenir une teinte donnée. La littérature sur le sujet est parfois rare, parfois il y a des informations discordantes entre elles ce qui rend difficile de s'orienter. La seule solution à ce problème est d'avoir une procédure logique à suivre. Dans ma newsletter, j'ai essayé d'illustrer une procédure logique qui m'a beaucoup aidé. Des artistes comme Richard Robinson, Frank Reilly, John Howard Sanden utilisent un processus similaire. Le décrire maintenant prendrait trop de temps, donc je pense que vous devez attendre les futures leçons du cours de peinture à l'huile pour artistes débutants (je pense que le sujet sera couvert dans la leçon 16).
- N'utilisez pas de noir.Au XIXe siècle, avec l'avènement de la peinture impressionniste, l'habitude de ne pas utiliser de noir s'est consolidée. Je pense que la motivation résidait dans sa mauvaise harmonisation avec les autres couleurs du paysage. Il est probablement plausible que l'utilisation du noir pur s'harmonise à peine dans un paysage, mais je pense qu'il n'y a aucune preuve scientifique qu'il ne peut pas être utilisé en combinaison avec d'autres nuances. En effet, si l'on regarde la composition des couleurs comme celle de Bruno van Dyck on remarquera la présence du pigment PBk, c'est-à-dire le noir. De plus, de vieux maîtres comme Velasquez l'utilisaient.
- Utilisez du blanc pur pour peindre des objets blancs.Faisons une petite expérience. Regardez attentivement un mur blanc. Maintenant, prenez une feuille de papier pour cahier et comparez-la avec le blanc du mur. Le premier apparaîtra probablement plus blanc que le second. Cela nous apprend que ce qui peut paraître blanc n'est pas en fait du blanc pur mais a un certain degré de couleur en soi. Pour comprendre comment imiter cette couleur, il est bon de se demander d'abord s'il s'agit d'une couleur chaude ou froide. S'il s'agit d'une couleur chaude, il sera nécessaire d'ajouter une couleur dans la gamme des rouges, jaunes ou oranges au blanc, sinon une couleur dans la gamme des bleus, verts ou violets. Une fois que la gamme de membres a été choisie, il est nécessaire de comprendre s'il est pratique d'utiliser une couleur à l'extérieur de la roue chromatique ou à l'intérieur. Par exemple, si nous choisissons la gamme de jaunes, la couleur à ajouter pourrait être le jaune cadmium clair, ocre jaune ou ombre de terre brûlée. Ou il peut s'agir d'un mélange de tout ou partie de ces couleurs et l'utilisation du noir ne peut être exclue. Le choix dépend beaucoup du type de palette que vous utilisez. Dans tous les cas, quelle que soit la couleur que vous choisissez, rappelez-vous que le blanc prédomine et que les autres couleurs seront en petites quantités.
- N'utilisez pas la spatule pour mélanger les couleurs.Les couleurs de la palette peuvent être mélangées soit avec un pinceau, soit avec une spatule. J'utilise les deux méthodes. Dans tous les cas, avant de commencer la peinture j'essaye de préparer toutes les couleurs que j'utiliserai. Cela me permet de me concentrer sur un seul problème à la fois et accélère également le temps d'exécution de la peinture. Dans cette phase je n'utilise que la spatule car elle est facile à nettoyer et ne retient pas de résidus qui peuvent salir les couleurs que je vais mélanger de temps en temps. Lorsque ces couleurs initiales sont prêtes à ce stade, j'utilise uniquement le pinceau. J'ai déjà illustré cette façon de travailler dans la leçon 6 du cours de peinture à l'huile pour artistes débutants.
- Mélangez la couleur d'un demi-ton d'un objet donné en mélangeant la couleur dans la lumière et l'ombre de l'objet lui-même.C'est probablement l'erreur la moins connue. J'ai d'abord lu ce sujet dans le livre Creative Illustration d' Andrew Loomis à la p. 152. Un sujet repris plus tard par Richard Robinson dans son cours Mastering Color. Supposons que nous ayons un objet rouge A éclairé par une source lumineuse donnée. On le sait, une zone en lumière et en ombre sera créée sur cet objet, un point de lumière maximum, le reflet dans la zone d'ombre et l'ombre portée sur le support sur lequel l'objet est placé. Cependant, il existe généralement une zone appelée "demi-teinte" entre la zone claire et la zone sombre. Il est souvent nécessaire de créer un mélange de couleurs pour cette zone également. Ce que vous faites généralement est de prendre la couleur de l'objet à la lumière et celle de l'ombre, les mélanger ensemble pour obtenir une couleur intermédiaire. Le résultat, cependant, sera un objet qui apparaîtra plat et non tridimensionnel. La raison en est que dans les tons moyens, la couleur a souvent un degré de saturation plus élevé que la couleur de la lumière et celle de l'ombre. En augmentant la saturation de cette zone ce qui se passe, c'est qu'elle aura tendance à avancer simulant ainsi la rondeur de l'objet. Prenons un exemple sur la façon d'utiliser ce principe. Supposons que nous ayons une boule jaune ocre. La zone en surbrillance sera ocre jaune + blanc. Celui en teinte jaune ocre + violet (ou cramoisi alizarine + noir). Pour obtenir le demi-ton, les deux assemblages sont mélangés mais un peu plus de jaune ocre est ajouté afin d'avoir une couleur plus intense que les deux autres.
- Superposez la couleur sur la couleur avec un mélange dans la technique humide sur humide.Commençons par dire que dans la technique humide sur humide, il est possible d'appliquer la couleur sur une couleur encore humide, après tout c'est l'essence de la technique elle-même. Par exemple, dans ce didacticiel, cette technique a joué un rôle déterminant dans la création des reflets des arbres dans l'eau. La même technique a été utilisée pour peindre une montagne sur un ciel encore humide . Dans les deux cas, cependant, la couleur sous-jacente avait été bien appliquée avec le pinceau. Donc, c'est correct de peindre avec une couleur sur une couleur qui est encore humide, la seule chose est de s'assurer que cette dernière n'est pas trop empâtée.
- Utilisez le vernis final après quelques jours de séchage.Sur Internet, dans les différents forums, j'ai lu des rumeurs discordantes sur l'utilisation ou non du vernis final après l'exécution d'un tableau. Qui est pour, qui est contre. Ma position est qu'il est normal d'utiliser le vernis final, c'est essentiellement une protection de la peinture contre la poussière, empêche le jaunissement, rend la brillance de la peinture uniforme et est facile à enlever en cas de restauration. Le problème n'est pas l'utilisation ou non du vernis final, le problème est de savoir quand l'appliquer. En règle générale, vous devez attendre 6 mois avant de l'appliquer. Si vous le souhaitez en attendant, vous pouvez quand même utiliser une peinture de retouche qui s'applique après un mois. J'ai parlé de ce sujet dans la dernière partie de l'article Solvants, Huiles, Médiums et Peintures , celui qui le veut peut aller le relire.
- Appliquez les émaux sur une surface peinte qui n'est pas bien sèche.L'émail est l'application d'une couleur transparente sur une surface sèche. L'erreur typique est d'accélérer le temps et d'appliquer la couche transparente lorsque la couche sous-jacente n'est toujours pas sèche avec le résultat d'une couleur terne, c'est l'effet inverse de ce que vous aimeriez obtenir avec un vernis.
- Réalisez des émaux sans utiliser de couleurs transparentes.Les couleurs en plus de se différencier par la teinte, le ton et la saturation ont également une autre caractéristique très importante: la transparence. Les tubes vendus sur le marché ont un carré imprimé qui peut prendre 3 couleurs: blanc, noir et moitié blanc et moitié noir. Le premier indique que la couleur est transparente, le second qui est opaque le troisième qui est semi-opaque. Il y a un autre principe à garder à l'esprit:
- couleur opaque + couleur transparente = couleur opaque
- couleur transparente + couleur transparente = couleur transparente
- couleur mate + couleur semi-mate = couleur mate
- couleur semi-opaque + couleur transparente = couleurs semi-opaques
- Éclaircissez les couleurs avec du blanc et assombrissez-les avec du noir. Une autre approche largement utilisée à tort en peinture est de penser que les couleurs s'éclaircissent avec du blanc et s'assombrissent avec du noir. La preuve de cette erreur est facilement démontrée en mélangeant le jaune et le noir. Avec ce mélange, vous obtenez un vert foncé plutôt qu'un jaune foncé. Une meilleure façon d'assombrir les couleurs est d'utiliser une couleur plus foncée de la même gamme. Par exemple, le jaune peut être assombri par l'ocre jaune d'abord et la terre brûlée ensuite. L'orange peut être assombrie avec de la terre de Sienne naturelle avant et la Sienne brûlée après. Même l'utilisation du blanc uniquement pour éclaircir une couleur n'est pas toujours applicable car le blanc provoque un décalage de la teinte vers le bleu et réduit la saturation des couleurs. Dans l'article comment En mélangeant les couleurs, nous avons vu qu'un bon remède consiste à ajouter une partie de la couleur adjacente au blanc sur la roue chromatique. Donc pour éclaircir un rouge il est conseillé d'ajouter un peu de jaune au blanc.
17 erreurs à éviter lorsqu’on pratique la peinture à l’huile
Pour apprendre à peindre une première méthode est d'étudier des tutoriels qui expliquent "Comment ...". Une autre méthode tout aussi efficace est de savoir "ce qu'il ne faut pas faire pour ...". Dans cet article, je voudrais adopter ce deuxième principe en énumérant les 17 erreurs que j'ai commises dans le passé et que je ne répéterai plus jamais.
Grâce aux expositions organisées dans les galeries d’art, le public des visiteurs peut accéder et contempler les œuvres d’art mises en valeur et bien présentées. Les galeries d’art est un lieu d’exposition où on peut rencontrer des artistes et acheter des œuvres d’arts.
Des œuvres d’artistes peintres à l'exemple de Picasso, Renoir, van Gogh, Monet de Vinci et autres maitres, peuvent valoir des centaines de millions d’euros. Fascinés par leurs générations, plusieurs courants artistiques ont été créés à travers les plus grands artistes, dans plusieurs types d'art, allant de la peinture du théâtre ou encore du cinéma, c’est le cas de divers courants de l’art contemporain.
L’art se partage en plusieurs formes et reproductions : La peinture, la sculpture, la photographie… Plusieurs expositions d’art contemporain sont lancées dans plusieurs villes de France, cette tendance a pour but de démocratiser l’art et de le rendre à la portée de toutes les personnes à tarifs intéressants.